Фасад галереи-мастерской югорского гения Геннадия Райшева в Ханты-Мансийске теперь светится

Подсвеченный фасад галереи-мастерской Геннадия Райшева с композицией по его эскизу «Пространство Сибири». Фото пресс-службы «Газпромнефть-Хантос» / neft.media

Обновление фасада галереи, эскиз мозаичной композиции на фасаде которой сделан самим художником, Геннадием Степановичем Райшевым, – хороший повод поговорить о нем. Это исключительная ситуация, что в столице Югры при жизни художника, в 1996 году, была построена его галерея-мастерская. Даже в советское время строились мастерские, но не галереи, и то – для слуг режима, а не для совершенно некоммерческого художника, никогда не работающего по чьему бы то ни было заказу, и никогда не продающего своих работ. Тонкий знаток творчества Г. С. Райшева московский искусствовед Ю. Я. Герчук отмечал: «Это трудный мастер, потому что зрелища, которые он предлагает, непривычны. Они не прочитываются сами собой и не расшифровываются по каким-либо уже знакомым формулам». И он совершенно прав.

700 кв. м композиции на фасаде здания, которое местные жители называют «Парусом», остались теми же, просто сейчас светятся – это организовала «Газпромнефть-Хантос» при поддержке проекта «Родные музеи».

«Сибирячка», 1989 год / ourreg.ru

Райшев (1933–2020)

Геннадий Райшев был в простом, бытовом смысле слова гением. Сочетание его работ, потока мыслей, образа жизни – и есть доказательство.

Значительность художника признали в конце 1980-х, после крупных персональных выставок в Тюмени и Свердловске. Нельзя сократить человеческую жизнь до пары фактов, но большую часть жизни Райшев проработал в маленьких городах и селах, рисовал картины небольших размеров в гараже, а в 1996 году художнику выделили мастерскую в Ханты-Мансийске, в 2012-м – построили четырехэтажную галерею-мастерскую. Он стал писать работы большого формата. Сейчас в фонде галереи столько работ Геннадия Райшева, что только часть из них помещается в выставочных площадях «Паруса».

«Песок. Починка невода», 1972 год /ourreg.ru

«Тюменские известия» за год до смерти художника – наполовину ханты, наполовину русского – от ковида в 2020 году взяли у него интервью. Вот несколько его монологов оттуда.

«Творчество ценно, когда оно цельно».

«Правда состоит в том, чтобы изображать так, как в природе естественной и в природе моей головы, в природе моего восприятия, моего я… Каждый раз, изображая новое пространство, я разделяю по времени прохождения: одно пространство, второе, третье, четвертое – все в одной картине. Художник движется и в пространстве, и во времени».

«Музыка богата в своих проявлениях. Звук, проходя через человека, приобретает цвет. Так появляются сюжеты. Художник может смузицировать пространство и создать свою вселенную».

«Российская песня. Застолье», 1991 год / news-hm.ru. Райшев: «Эта картина – образ песни, соединяющей несколько российских песен о расставании, о прощении, о судьбах людей. Национальный характер как целое связан с бытовыми предметами. Я нашел пластическую формулу хантыйского характера: это острый угол наших скульптурных тонгхов. Русский характер – нечто более округлое, для меня воплощенное в дуге».

«..Надо поймать волну – ощущение движения к состоянию целого. По моему мнению, изобразительство – это и есть волна. Живопись и музыка связаны тем, что изображают волнообразное проявление жизни. Если просто срисовать какой-то предмет, он и останется предметом, который ничего не значит. Но когда волна мышления художника обойдет его и продолжит двигаться в пространстве, родится музыка. А люди думают, что художник – это человек, умеющий хорошо срисовывать. Нет!»

«Вижу красивое дерево, переношу его на лист – «срисовываю» из жизни. А надо волнообразно проживать состояние дерева и окружающего его пространства. Сначала идет крутая волна, за ней – поменьше, третья – совсем мягкая, четвертая – легкая и далекая…»

«Волна – натуральное проживание живого. Ведь что такое изобразительность? Это вибрации художника, его отношение к предмету и пространству».

«Югино». 1983 год / ourreg.ru

Отчего мучается художник?

Как свойственно гениям – от Да Винчи до Малевича – у Геннадия Райшева есть своя теория и критерии творчества: была даже издана книжечка его авторства «Вопросы творчества. Отчего мучается художник?». О ней вспомнила с детства знакомая с мастером художница Екатерина Пилипенко.

«Профессия предполагает заказ, исполнение и вознаграждение.

Свободное творчество – самозаказ, исполнение и, как правило, отсутствие вознаграждения…

Профессия опирается на полученные знания.

Свободное творчество – на индивидуальный поиск знаний.

В профессии предполагаются стандартные, расхожие постулаты и истины.

Свободное творчество предполагает личные, глубокие, интимные, сложные переживания.

Профессия требует общеизвестных, устоявшихся, шаблонных представлений о мире».

«Есть особое состояние, которое не дает возможности останавливаться. Внутренняя динамика и образы не дают покоя. Чтобы от них освободиться, я должен работать. И моё психическое состояние во многом зависит от того, буду я работать, или нет», – говорил художник в интервью еженедельнику «АиФ-Югра» в 2010 г. И добавлял, что художником движет состояние удивления миром: «Оно ежедневно. Может, я не совсем нормальный человек, потому что как удивился один раз в детстве, так и не могу до сих пор от этого освободиться».

«Древняя птица». Из цикла «Древняя Югра», 1999 / журнальныймир.рф.  С одной из работ Райшева на тему птиц связана детская история художницы Екатерины Пилипенко. Ее отец, тоже художник, показал ей картину со словами: «Смотри, – это последний динозавр!» И ей запомнился образ «последнего динозавра» – такой монументальный и такой трагически-беззащитный. «И все сказано этим темным, как бы обуглившимся силуэтом – и красота, и величие и обречённость. Все понятно даже ребенку».

«Звуки моего бора». 1977 год / jotto8.ru